Kunst

Wir kaufen und verkaufen Kunstwerke : antike Gemälde und Statuen aus dem 16. Jahrhundert bis hin zu zeitgenössischer Kunst .

• • Was ist Kunst?
• • Was bedeutet Kunstgeschichte?
• • Was sind die Hauptkategorien von Kunstwerken?
• • Was sind die wichtigsten künstlerischen Techniken?
• • Die wichtigsten technischen Daten
• • Kurze Beschreibung von Epochen und künstlerischen Strömungen
• • Handel mit Gemälden und Skulpturen

Was ist das? Kunst?

Kunst ist ein Wort, das jeder kennt. Auf die Frage „Was ist das?“ die Kunst?" Ein Kind würde sich freuen, eine gerade ausgemalte Zeichnung zu zeigen, während sich ein reiferes Kind darüber freuen würde. Erwachsene könnten Gemälde, Statuen erwähnen ... Ein Junge würde über Malerei, Skulptur, Architektur sprechen , Musik und vielleicht Poesie, vielleicht ausgehend von den Schulerinnerungen: dorische, ionische und korinthische Ordnung, wer vergisst sie mehr! Ein Student an der University of California wäre bereit, seine gesamte Geschichte zurückzuverfolgen: von der zeitgenössischen Kunst rückwärts bis zur klassischen, durch Barock und mittelalterliche Kunst.Und schließlich könnte ein Kunstkritiker lächeln, wenn er an diese letzte Einschätzung zurückdenkt, und sich fragen, ob das, was er an diesem Morgen beobachtete, ein authentisches Van Gogh oder noch eine weitere Nachahmung...

Eine allgemeine Definition scheint daher schwer zu finden. Tatsächlich scheint es nicht eindeutig zu sein und bleibt auf einen bestimmten historischen Zeitraum und eine bestimmte Technik beschränkt ... blieb im Laufe der Zeit konstant, und das Kind weiß es als größter Experte unter Kunstkritikern: Kunst hat das Kraft zu begeistern. Und tatsächlich, auf die Frage „Was ist das?“ Kunst?" Ein Künstler würde antworten: „Zuallererst die Emotion!“ Erst nach Verständnis!" (Paul Gauguin).

Di Mano in Mano hat beschlossen, diese Emotion zu verstärken und zu bewahren, indem es den Verkauf und Kauf von alten Skulpturen oder Gemälden und zeitgenössischen ermöglicht.

Wenn Sie Kunst fasziniert oder begeistert, lesen Sie weiter.
 

Was bedeutet Kunstgeschichte?

Wir reden oft über Kunstgeschichte, aber was ist Referenz? Wann begann der Mensch, Kunst zu machen und warum?

Kunst hat offensichtlich sehr alte Ursprünge, und um ihre Natur, ihren Charme, ihre Schönheit und ihre Komplexität zu verstehen, ist es notwendig, ihre Natur, ihren Charme, ihre Schönheit und ihre Komplexität zu verstehen. Machen wir einen Schritt zurück und gehen wir kurz auf die Geschichte zurück.

Die ersten künstlerischen Ausdrucksformen sind sehr alt und reichen bis ins Paläolithikum (ungefähr zwischen 650.000 v. Chr. und 4000 v. Chr.). In diesem Fall sprechen wir von der prähistorischen Kunst, der ältesten bekannten Form. elementary bestand aus den Fußabdrücken der Hände auf den Felsen der Höhlen. Bereits; von diesen ersten und rudimentären Kunstformen ist es jedoch Es ist möglich, innezuhalten und darüber nachzudenken, dass Kunst aus einem Bedürfnis entsteht: nicht aus einem physiologischen, lebenswichtigen Bedürfnis, sondern aus dem Bedürfnis, eine Spur, den eigenen Fußabdruck, im wahrsten Sinne des Wortes, in der Geschichte zu hinterlassen.< br />
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Das Folgende wird im Folgenden erläutert. sogenannte Formen der alten Kunst: Beginnen wir also mit der Erwähnung der mesopotamischen Kunst, die leicht den Völkern zuzuschreiben ist, die Mesopotamien aus dem 3. Jahrhundert v. Chr. (denken Sie zum Beispiel an die Sumer, Babylonier und die Assyrer); Wir gehen dann über die ägyptische Kunst bis zur griechischen Kunst, von wo aus die rationale Suche des Menschen nach den absoluten Idealen von Schönheit, Ausgeglichenheit und Perfektion beginnt. Dann haben wir die etruskische Kunst und die römische Kunst, deren Hauptzweck weiterhin besteht als ein anderer Politiker: Denken Sie nur an die Trajanssäule, ein Denkmal, das in Rom im Wesentlichen zur Feier des Sieges errichtet wurde des #39;Kaisers über Dacia. Nachdem wir die Formen der klassischen Kunst, der Gotik, beendet haben, befinden wir uns etwa in der Mitte des Jahrhunderts in Frankreich. des 12. Jahrhunderts.

Machen wir einen Schritt und ziehen wir jetzt nach Florenz, denn es ist die Stadt Florenz. es ist Gerade hier entwickelt sich im 14. Jahrhundert eine neue künstlerische, literarische und philosophische Strömung: Es ist die Renaissance, mit der Historiker üblicherweise den Beginn der modernen Kunst setzen. Es ist Dies war die Ära von Künstlern wie dem Architekten Filippo Brunelleschi oder Malern wie Paolo Uccello und Piero della Francesca; es ist Dies ist das Jahrhundert von Sandro Botticellii, aber es ist so; Mit den drei genialen Figuren Leonardo da Vinci, Michelangelo und Raphael erreicht die Renaissance ihren Höhepunkt.

Mit dem Barock, der sich durch seine Facetten, die Üppigkeit auszeichnet; und Festlichkeiten, gefolgt vom Neoklassizismus, einer Rückkehr zum klassischen Geschmack, schließen wir die sogenannte moderne Kunst.

So kommen wir an; bis zur zeitgenössischen Kunst. Am Ende des 18. Jahrhunderts entwickelt sich in Deutschland und später in ganz Europa die Romantik, eine Bewegung, die die Überhöhung von Gefühlen, Fantasien und Realitätsflucht fördert; und die Beziehung zur Natur. Sie können sich diese Funktionen leicht merken „ Denken Sie nur an das Gemälde mit dem Titel „Wanderer über dem Nebelmeer“ (Caspar David Friedrich). Die in der Toskana geborene Macchiaioli-Bewegung, aus der die gleichnamige „Blot-Theorie’’. Es ist Doch der Impressionismus schockiert Europa erneut: Wir befinden uns in Frankreich, genau zwischen 1860 und 1870, als eine Gruppe von Künstlern beschließt, das Atelier zu verlassen und im Freien zu malen, direkt im Kontakt mit der Realität. Die Technik wird berühmt unter dem Namen “en plein air” (Im Freien). Es ist Dies ist die Zeit von Künstlern wie Claude Monet, Pierre Auguste Renoir, Gustave Caillebotte, Camille Pissarro und vielen anderen.

Wenn Sie Romantik fasziniert hat, lassen Sie sich in diese Welt entführen. Wenn stattdessen die Namen von Monet und Pissarro kommt Ihnen bekannt vor, erfahren Sie mehr über Impressionismus hier Link.

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts wollten die Avantgarde, an die wir uns erinnern: Expressionismus, Futurismus, Dadaismus und die Surrealismus. Anschließend können Sie über zeitgenössische Kunst sprechen. Und hier ist es. Man muss vorsichtig sein, so wie es ist Ist es richtig, Kunst zu definieren? schwierig, zeitgenössische Kunst einzuschränken ist schwierig; sogar mehr. Nach Ansicht einiger Wissenschaftler deckt zeitgenössische Kunst die gesamten „900“ ab, nach Ansicht anderer hingegen schon kann sein; Definieren Sie es nur, wenn Sie von der Kunst der sechziger Jahre bis heute sprechen. Die Verwirrung beruht vor allem auf der sehr großen Vielfalt; der künstlerischen Strömungen, die im letzten Jahrhundert entstanden sind, aber auf jeden Fall ist es vielleicht nicht die beste Idee, eine genaue Definition zu finden. am meisten wichtig: Heutzutage kommt es tatsächlich darauf an, worauf es ankommt. das Bedürfnis, einen Gedanken auszudrücken und nicht die Technik.
 

Wie passt Di Mano in Mano in all das?

Seit 1999 ist Di Mano in Mano auf dem Markt; spezialisiert auf den Kauf und Verkauf von zwei Arten von Kunst: Malerei und Skulptur. In unseren Magazin gibt es Hunderte von zeitgenössischen Kunstwerken und Antike Kunst, die sowohl in physischen Geschäften als auch im Online-Shop besichtigt und erworben werden kann. Wir spezialisieren uns auf Gemälde italienischer Maler aus dem 18. und 20. Jahrhundert, versuchen aber, die Bedürfnisse aller Kunstliebhaber zu befriedigen, bis hin zur Bewertung und zum Verkaufsvorschlag antiker Kunst des '600.
 

Was sind die Hauptkategorien von Kunstwerken?

Antike Kunst

Unser Katalog der antiken Kunst umfasst meistens; Steinskulpturen, aber auch Statuen, Porträts und Büsten, gebaut aus Marmor, Terrakotta, Holz und Stein.

Der Begriff Skulptur bezeichnet im Allgemeinen die Form der Kunst, die es ermöglicht, einem Objekt ausgehend von einem Rohmaterial eine Form zu geben. Künstler können je nach verwendetem Material viele verschiedene Techniken anwenden, womit wir die beliebtesten meinen. traditionell wie Stein, Kalkstein, Marmor oder Granit, aber auch traditionellere Materialien; modern, wie Glas, Sand oder Gummi.
 

Statua di Divinità Indiana

Pittura Antica

Unser Katalog der Antica-Malerei bietet Gemälde vor dem 19. Jahrhundert. Zu den vorherrschenden Sujets zählen Porträts, etwa das Frauenporträt und andere antike Porträts, oder die Landschaft , dargestellt in verschiedenen Formen, wie zum Beispiel im Gemälde der Herbstlandschaft oder im Gemälde der Winterlandschaft oder wiederum dem von die Meereslandschaft. Bilder und Gemälde zum Thema Stillleben sind ebenfalls verbreitet, aber auch sakrale Themen, mythologische Themen, Genre Szenen und allegorische Sujets.

Die alten Meister-Gemälde stammen aus verschiedenen Malschulen, meist aus unterschiedlichen Malschulen. aus den so definierten italienischen Malschulen, wie der lombardischen, neapolitanischen oder venetischen Schule; von Kunstkritikern wegen der Stadt; in dem sie geboren wurden und sich später entwickelten.
 

Scena di Genere dal Barbiere  XVIII secolo

Symbole

Ein Icon ist ein Symbol. eine heilige Darstellung, die Christus, die Jungfrau oder eine andere darstellt oder mehr Heilige. Es wurde auf ein Brett, meist aus Kiefern-, Lärchen- oder Tannenholz, oder auf eine Metallplatte gemalt. Sie sind typisch für die byzantinische Kunst und beeinflussten später die russische und balkanische Kunst.
 

Icona russa - Storie di Gesù e Maria XIX secolo

Zeitgenössische Kunst

Das ist es schwer zu definieren, was es ist; Zeitgenössische Kunst, weil sie es ist es entspricht weder einem Zeitraum noch zu einer einzigartigen und spezifischen künstlerischen Strömung. Einige Historiker führen den Beginn der zeitgenössischen Kunst im Jahr 1789 auf das Ende der modernen Kunst zurück. Das 19. Jahrhundert ist; gekennzeichnet durch die Entstehung vieler Bildströmungen, & egrave; Es genügt, an die künstlerische Avantgarde und den Impressionismus zu denken, aber auch an die Geburt der Fotografie, die die Art und Weise, wie wir sehen, für immer verändert Realität ;. Aus diesem Grund betrachten viele die zeitgenössische Kunst als eine Form der Kunst. eines künstlerischen Ausdrucks, der tendenziell neue Ausdrucksmittel einbezieht und dabei von einigen Avantgarde-Strömungen des 20. Jahrhunderts bis in die Gegenwart reicht.

Entdecken Sie hier unsere Auswahl an Werken von zeitgenössische Kunst.
 

Serigrafia  Ibrahim Kodra (1918-2006)

Ottocento

L'achthundert ist; ein Jahrhundert von grundlegender Bedeutung für die Kunst, gekennzeichnet durch die Abfolge verschiedener künstlerischer Strömungen.

Zu Beginn des Jahrhunderts verbreitete sich in ganz Europa die Romantik, eine künstlerische Bewegung, die Gefühle, Vorstellungskraft und die Beziehung zwischen Mensch und Natur verherrlichte. Das neunzehnte Jahrhundert ist; jedoch ein Jahrhundert der Revolutionen in Europa, und das wird herbeiführen; verschiedene Künstler konzentrieren sich auf die Suche nach der Wahrheit, um die Realität zu malen; nackt und roh. Aus diesem Grund sprechen wir vom Realismus und auch in Italien wurde er gerade in Florenz konstituiert; eine Gruppe mit realistischen Neigungen, genannt Macchiaioli.

Es ist vom Realismus, der von einer anderen großen künstlerischen Bewegung dieses Jahrhunderts abstammt, dem Impressionismus . Die impressionistischen Maler hingegen skizzierten die Realität; den sensiblen Teil erfassen, ohne den ideologischen und sozialen Problemen Gewicht beizumessen. Farbe war daher von grundlegender Bedeutung, die Suche nach Licht, für den Augenblick, nach dem Vergänglichen, das für immer auf der Leinwand gefangen bleiben sollte.

Zwischen 1880 und 1900 entwickelte sich eine Reihe unterschiedlicher künstlerischer Strömungen in Bezug auf Techniken und Stile, die jedoch nicht mehr durch den Wunsch vereint waren, innere Emotionen zu kommunizieren Die Realität. Sie werden unter dem Begriff Postimpressionismus zusammengefasst. Zu den wichtigsten postimpressionistischen Malern zählen beispielsweise Vincent Van Gogh, Paul Gauguin und Edvard Munch.

In den gleichen Jahren entstand in Frankreich auch die Idee, dass Kunst Ideen durch Symbole ausdrücken kann. Und hier beginnt der Symbolismus, eine künstlerische Bewegung, die sich durch raffinierte Gemälde auszeichnet und sich für Themen wie Träume und Fantasie interessiert.

In den letzten Jahren des 19. Jahrhunderts und zu Beginn des 20. Jahrhunderts wurde in Italien der Divisionismus geboren Beeinflusst vom Symbolismus griff er dessen Themen auf, wobei die Gemälde jedoch durch lange und fadenförmige Pinselstriche gekennzeichnet waren.
 

Dipinto con donna che mendica Artista sconosciuto (XIX secolo)	Grande dipinto a soggetto orientalista Artista sconosciuto (XIX secolo)

Novecento

Das novecento stellt den Art Nouveau vor, der sich durch geschwungene und elegante Formen im Kontrast zu kräftigen Farben, das Fehlen von Symmetrien und einer Auswahl an ungewöhnlichen und extravaganten Formen auszeichnet. Es verbreitet sich in Strömen mit fortgeschritteneren Funktionen und Sprachen. oder weniger differenziert in jedem Land, auch durch unterschiedliche Namen gekennzeichnet: Horta-Stil, Liberty, Modernismus, Jugendstil, Sezessionen, Moderner Stil und Sezession.

In den ersten Jahren des 20. Jahrhunderts blühten die künstlerischen Avantgarden auf, darunter Expressionismus, Kubismus, Futurismus, abstrakte Kunst und Surrealismus . Sie zeichneten sich durch folgende vier grundlegende Merkmale aus: Opposition gegen Naturalismus und Dekadentismus; die Verherrlichung der Kunst als politisches Instrument; der Kampf gegen die Kommerzialisierung der Kunst selbst und die Verflechtung verschiedener Künste und deren Internationalisierung. Sie werden die Grundlage für die Entwicklung der Kunst bis zur Gegenwart sein.
 

Paesaggio collinare con Casolare Amerigo Canegrati (1900-1938)

Was sind die wichtigsten künstlerischen Techniken?

Wandteppich

Diese künstlerische Form erfordert den Beitrag von zwei Profis: erstens den des Künstlers, der die Basis schafft, den vorbereitende Zeichnung und anschließend die eines Handwerkers, der den echten Wandteppich herstellt, ist genau. Die vorbereitende Zeichnung wird in der Regel auf Karton angefertigt, während der eigentliche Wandteppich auf Karton gemalt wird. aus Wolle, Seide oder beidem. In der Vergangenheit wie heute können die Themen die meisten sein; vielfältig: von der Mythologie über die Natur bis hin zu heiligen Themen.
 

Design

La tecnica del disegno consiste nel processo di tracciare segni su una superficie tramite l'applicazione di una pressione o il trascinamento di un apposito strumento sulla superficie. Gli strumenti più utilizzati sono: matite in grafite o colorate, penna, pennelli fini con inchiostro, pastelli a cera o carboncini; i supporti tradizionali più frequenti sono carta, cartoncino, tavola, muro, tela, rame, vetro. Il disegno può essere monocromo o a colori. Nei quadri e nei dipinti del seicento, il disegno rappresentava l’aspetto prevalente dell’arte: i pittori del 600 approfondivano il suo studio attraverso diverse discipline come la geometria, la prospettiva, l’anatomia, lo studio del colore e della luce.
 

Capriccio architettonico con figure Artista sconosciuto (XVIII secolo)

Fotografie

Im Jahr 1940 wurde die Fotoabteilung des Museum Of Modern Art (MoMA) in New York gegründet. was den endgültigen Einzug der Fotografie in die zeitgenössische Kunst sanktioniert.

Ein Fotokann als ein vollständig durch Licht geschaffenes Kunstwerk verstanden werden. Der kreative manuelle Prozess (die Wahl des Motivs, die Suche nach der Pose usw.) findet hauptsächlich im Kopf des Künstlers statt, innerhalb seiner Sensibilität, seiner Stimmung und seiner Kultur.
 

Malerei

Unter Malerei versteht man die Kunst, Farbe oder Farbtöne auf ein Medium wie Papier, Keramik, Holz, Leinwand, eine Wand oder sogar eine Metallplatte aufzutragen. Das ist abgeleitet von Malerei & egrave; ein Bild, das die Kreativität zum Ausdruck bringt. des Autors, seiner Gefühle, seines Geisteszustands, seiner Vision der Welt und der Gesellschaft. Wer malt, ist definiert Maler, während das Kunstwerk den Namen Malerei annimmt.
 

Scena di Battaglia - Arte Etiope Artista sconosciuto (XX secolo)

Stickerei

Der Begriff Stickerei bedeutet sowohl eine Tätigkeit als auch eine handwerklich, das ist eine Zeichnung, die mit Nadel und Faden auf einem Stoff angefertigt wird. Früher wurde Sticken als Zeitvertreib genutzt und heute kann es als Zeitvertreib genutzt werden. Es kann auch als Hobby betrachtet werden, aber was es als Kunstform auszeichnet, ist die Genauigkeit der Ausführung. Von einer weißen Stickerei sprechen wir, wenn keine farbigen Fäden verwendet werden oder wenn nur eine Farbe auf einem einheitlichen Untergrund verwendet wird. Heutzutage wird handwerkliches Sticken auch mit bemerkenswerten künstlerischen Implikationen praktiziert, beispielsweise zur Dekoration von Kleidung, heiligen Parametern, Wandteppichen, Vorhängen und Teppichen.
 

Frammento di ricamo su tessuto Artista sconosciuto (XVIII secolo)

Sculpture-Volume

Die skulpturale Technik in all ihren Formen, von der klassischen bis zur modernen, ist ein integraler Bestandteil der Technik. stark mit dem Thema Volumen verbunden: Per Definition hat eine Skulptur ihr eigenes Volumen. Es wird durch zwei unterschiedliche Techniken gewonnen: Hinzufügen, wie im Fall der Bronzeschmelze; oder Entfernen, wie es für Holz oder Marmor verwendet wird. Für zeitgenössische Skulpturen haben sich die Techniken geändert und können auch durch die Zusammenstellung oder Verschmelzung verschiedener und unkonventioneller Materialien erreicht werden.

Neben Skulptur gibt es noch eine weitere Modalität Dadurch können Sie einem Werk Volumen verleihen. das Rilievo, eine skulpturale Technik, bei der die Elemente mit dem festen Hintergrund aus demselben Material verbunden bleiben. Es gibt mehrere Unterkategorien, unter denen das Hochrelief und das Basrelief hervorstechen.
 

Pannello ligneo in stile Dogon Artista sconosciuto (XX secolo)

Drucken

Der Kunstdruck ist in verschiedenen Farben erhältlich. ein künstlerischer Prozess, bei dem Kunstwerke im Druckverfahren, meist auf Papier, hergestellt werden. Die künstlerischen Drucke werden durch eine Matrize reproduziert, die je nach spezifischer Drucktechnik (Holzschnitt, Stichelstich, Radierung, Mezzotinta, Aquatinta, Kaltnadel, Giclée, Siebdruck) verwendet wird ), können sie aus Metall (Kupfer oder Zink), Stein, Holzblöcken, aber auch aus Scannern und professionellen Digitalkameras bestehen. Farbe wird auf verschiedene Arten aufgetragen, normalerweise durch mehrere Matrizen.

Wer mit dieser Technik Kunstwerke herstellt, wird als Drucker von Kunstwerken bezeichnet.
 

Incisione in Cornice coeva di inizio 800 Luigi Rados (1773-1840)

Mehrere drucken

Von Kunstmultiple (vom Autor) spricht man, wenn es sich um einen Druck handelt, den der Künstler selbst durch einen graviert hat Matrix, die anschließend zerstört wird, um ihre Wiederverwendung zu verhindern. Das Vielfache kann sein mit den gängigsten Druckformen hergestellt werden; häufig (xilografia, Radierung, Mezzotinta, Aquatinta, Kaltnadel, Giclèe, Siebdruck) und trägt in der Regel das Datum und die Unterschrift des Künstlers, was seine Echtheit garantiert.
 

Quattro donne Renato Gattuso (1911-1987)

Monotype-Druck

Monotype-Druck ist für eine hybride Technik, die Malerei und Druck kombiniert. Die Monotypie sieht vor, dass die aus Ölfarben und Druckfarbe zusammengesetzte Malerei direkt auf der Matrize ausgeführt wird, auf die anschließend das Blatt aufgelegt und gepresst wird. Die resultierende Arbeit wird sein: eine Reproduktion des Bildes auf dem Blatt, das jedoch nicht reproduziert wird; gleich dem der Matrix: Es hängt von der ab durch den ausgeübten Druck und durch die Ausdehnung der Farben auf dem Papier, das heißt; unvorhersehbar.
 

Gemischte Medien

In der Kunst wird Mischtechnik als Modus der Mischtechnik definiert . ein Werk mit unterschiedlichen Techniken und Materialien zu schaffen. Die Mischtechnik war in der Neuzeit weit verbreitet, wenn auch schon; Sie waren in der Malerei des Mittelalters und Renaissance. In diesem Fall ging es darum, unterschiedliche grafische und bildnerische Mittel in ein und demselben Werk zu verbinden. In der heutigen Zeit zeichnet sich die Mischtechnik vor allem durch Folgendes aus: für die Vielfalt; der verwendeten Materialien.
 

Fiore urbano Bill Davis (2016)

Die wichtigsten technischen Spezifikationen

Spezifische Zeichentechniken

• • Aquarell
• • Carboncino
• • Tusche
• • Bleistift auf Papier
• • Gemischte Technik
• • Tempera auf Papier

Aquarell in der Zeichnung

Aquarell ist Eine Bildtechnik, bei der fein und präzise gemahlene Pigmente verwendet, mit einem Bindemittel kombiniert und in Wasser verdünnt werden. Die Karte ist die meiste Unterstützung; wird zur Unterstützung des Aquarells verwendet, insbesondere wenn es bereits aus einem hohen Baumwollanteil besteht; Es verhindert, dass es bei Kontakt mit Wasser schmilzt. Es gibt zwei Hauptmethoden zum Malen mit Aquarell: die velatura, das dank verdünnter und leichter Pinselstriche die Überlagerung verschiedener Farbschleier ermöglicht, und die Gouache-Technik, bei der die Farbe auf das Blatt aufgetragen und anschließend verblendet wird.
 

Le fonti di Boario Terme  Artista sconosciuto (epoca: XX secolo)	Il trionfo di Minerva Carlo Carloni (1686-1775)

Anthrazit

Die Kohle wird durch das Verkohlen von Holzstücken gewonnen, eigentlich ist es die Maltechnik > mehr uralt, zurückgehend auf prähistorische Höhlenmalereien. Natürliche Kohle ermöglicht das Nachzeichnen einer grau-schwarzen, ungenauen Markierung, die von Künstlern für großformatige Zeichnungen und Schattierungen verwendet wird; der Holzkohle-Komplex, der stattdessen von Anthrazit und Mehlkleber , skizzieren Sie ein Pluszeichen; dunkel und tief, deshalb ist es; Wird in den beliebtesten Designs verwendet. Techniker.
 

Ritratto di Giovane Donna Artista sconosciuto (epoca: XIX secolo)

Tinte

Es gibt verschiedene Arten von Tinte, die in der Malerei verwendet werden, darunter die gebräuchlichsten; bekannt und verwendet ist; die Chinatinte. Die Tuschzeichnung ist perfekt. zeichnet sich durch Brillanz und schnelle Trocknung aus. Mit Tinte ist es so schnelle Skizzen und klar definierte Arbeiten möglich. Es gibt viele Materialien zum Auftragen von Tinte, vom Kugelschreiber über den Füllfederhalter bis zum Pinsel. Die am häufigsten verwendete Unterstützung ist Papier, vorzugsweise mit geringer Saugfähigkeit. In China und später in Japan Mitte der 2000er Jahre. Im 14. Jahrhundert verbreitete sich eine besondere Maltechnik, die Tusch- und Wassermalerei.
 

Opera senza titolo Vyacheslav Sawich Mikhailov (1945)	Opera enza titolo Maurice Henry (1907-1984)

Bleistift auf Papier

Bleistift-Zeichnung Die kostengünstigste Technik, um mit dem Zeichnen zu beginnen: Die für den Anfang benötigten Materialien sind ein Bleistift, ein Blatt Papier, ein Radiergummi und alles, was zum Erstellen der Schattierungen erforderlich ist. Tatsächlich tragen sie zusammen mit den Schatten und dem unterschiedlichen Druck der Linien zu einem guten Ergebnis bei. Die Bleistiftzeichnung kann Es kann auch als vorbereitende Zeichnung angefertigt werden, als Ausgangspunkt für die Erstellung eines Werkes, das später mit einer anderen Technik fertiggestellt werden soll.
 

Ritratto di Giovane Donna Artista sconosciuto (epoca: XIX secolo)

Gemischte Medien

Apropos Mischtechnik, in der Kunst meinen wir die Möglichkeit des Mischens und Mischens. verschiedene Arten von Techniken zur Verwirklichung derselben Arbeit zu verwenden. Beim Zeichnen könnte man sich eine Vorzeichnung mit Bleistift vorstellen, die dann mit Aquarell fertiggestellt wird.
 

Il giardino della casa di Camerano Casasco Nicola Aleksandrovic Benois (1901-1988)

Tempera

In Tempera ist die Farbe; Besteht aus pulverförmigen Pigmenten, gemischt mit Wasser und einem Bindemittel, das aus einer Mischung öliger Teile besteht (sie können unterschiedlich sein, z. B. Ei, tierische Leime, Pflanzengummis, Stärke oder verschiedene Arten von Ölen). Was Tempera von Aquarell unterscheidet, ist die die Tatsache, dass letzteres einen viel größeren Ertrag hat. Die Träger für die Tempera können unterschiedlich sein: Papier, Pappe, Holz oder Leinwand usw.
 

Caricature di Gandusio e Melato Luigi Daniele Crespi (XX secolo)

Quali sono le tecniche specifiche della pittura?

• •   Aquarell
• •  Aquarell auf Karton
• •  Acryl an Bord
• •  Fresko
• • Gouaque
• •  Öl auf Karton
• •  Öl auf Sperrholz
• •  Öl auf Hartfaserplatte
• •  Öl auf Stein
• •  Öl auf Kupfer
• •  Öl an Bord
• •  Öl auf Leinwand
• •  Öl auf Schiefer
• •  Pastell
• •  Malen unter Glas
• • Gemischte Technik
• •  Tempera
• •  Tempera auf Papier
• •  Tempera an Bord

Acryl auf Holz

Die Basis von Acrylfarben sind Lacke, die aus Farbpigmenten bestehen, die mit bestimmten Harzen, sogenannten Acrylpolymeren, vermischt sind. von dem die Technik ihren Namen hat. Daher ist für Acryl kein Wasser erforderlich, wie es bei Tempera der Fall ist. Acrylfarben können sowohl leuchtend als auch deckend wirken und die Trocknungszeiten sind sehr schnell, sodass keine Schattierungen möglich sind. Die Träger können unterschiedlich sein: von Papier über Karton und Leinwand bis hin zu Holz. Das Acryl ist; Wird neben Gemälden auch zur Dekoration von Wänden und Gegenständen verwendet.
 

Al piano interiore Marcello Jori (1951)

Fresko

Das Fresko wurde gemalt. eine Form der alten Malerei, ausgeführt auf dem Putz einer Wand, genau genommen noch „frisch“. Die Farbe ist Bestehend aus Pigmenten mineralischen Ursprungs, die im Allgemeinen in Wasser verdünnt werden und mit einem Pinsel direkt auf den Putz aufgetragen werden. So kommt die Farbe; chemisch absorbiert und bleibt unbegrenzt erhalten. Das Fresko umfasst daher drei grundlegende Elemente: den Träger aus Stein oder Ziegel, den Putz und die Farbe.
 

Dalla mia finestra (Saronno) Giovanni Rossi (1907-1985)

Gouache oder Gouache

Die Gouache ist im Originalstil erstellt. eine Bildtechnik , in der Farbe ist; gemischt mit einem weißen Pigment (weißes Blei oder Gips), was es bunter macht. deckend und undurchsichtig im Vergleich zu normaler Tempera. Gouache verbreitete sich im 18. Jahrhundert in Frankreich, weshalb die Technik sehr beliebt war. auch als Gouache bekannt und wurde von Malern des 19. Jahrhunderts vor allem zum Zeichnen der vorbereitenden Skizzen von Arbeit in Öl.
 

Scorcio di Paestum Antonio Coppola (1850-1902)	a Nave Astrea Antonio De Simone (1851-1907)

Ölfarbe

Bei der Ölmalerei-Technik werden Farbpigmente mit pflanzlichen Ölen (Leinen-, Mohn- oder Walnussöl) gemischt. Die Farbe bleibt lange frisch, wodurch Licht- und Tiefeneffekte erzielt werden können. mit anderen Bildtechniken schwer zu erreichen. Die Technik mit Ölfarbe war bereits weit verbreitet; im zwölften Jahrhundert, aber & egrave; ab dem 11. Jahrhundert, das sich in ganz Europa, sogar in Italien, verbreitete. In diesen Jahren gibt es die meiste Unterstützung. Für die Malerei wurde Holz verwendet, danach verbreitete sich die Verwendung von Hanf- oder Leinenleinwänden. Ein Ölgemälde auf Leinwand wurde oft von einem Holzrahmen getragen, der leicht zu transportieren war.
 

Natura morta con Uva Fichi e Mele Luigi Bini (1897-1980)	La bottega dell'Antiquario Dino Rossi (1904-1982)
Natura Morta con Mele Luigi Bini (1897-1980)	Paesaggio Montano Artista sconosciuto (epoca: XX secolo)

Ölfarbe auf Hartfaserplatte

Faesit und Masonit sind zwei Arten von Trägern, die von Malern des 20. Jahrhunderts zur Unterstützung ihrer Gemälde  verwendet werden. Sie wurden den Leinwänden vorgezogen, weil; mehr widerstandsfähig, daher weniger verformbar und kostengünstiger. Insbesondere ist die faesite nicht für jegliche Art von Material geeignet. nichts als eine Mischung aus Holzfasern.
 

Fiori Emilio Hermann (1901-1978)	Scorcio di Paese Innevato Gaetano Valbusa (1905-1989)

Ölgemälde auf Stein, Kupfer und Schiefer

Im 16. Jahrhundert Ölgemälde auf Stein (sowohl Edel- als auch Nichtedelsteinen) und auf Metall, insbesondere Kupfer. Die Technik war bereits; bekannt, aber der Träger wurde durch Leinwand oder Holz ersetzt. Das bildliche Experiment brachte; Die Künstler des 16. Jahrhunderts haben diese kostbaren Träger wiederentdeckt und verschiedene Materialien für die Ölmalerei mitgebracht. Einige Künstler wählten daher die Schiefertafel, um darauf zu malen, da sie schwer zu bemalen ist. Es stellt einen guten Untergrund dar, der wenig Ölfarbe aufnimmt und die Farben sehr leuchtend hinterlässt.
 

Volto Igor Andreev (1952)	Maddalena Penitente Artista sconosciuto (epoca: XVII secolo)	Compianto su Cristo morto Artista sconosciuto (epoca: XVI/XVII secolo)

Öl auf Leinwand

Die Leinwand ist voll. absolut die privilegierte Unterstützung für Ölmalerei, da es so ist; genießt das Privileg der Leichtigkeit und relativen Einfachheit; der Vorbereitung. Sogar der Katalog von Di Mano in Mano ist davon; eine Demonstration: es ist Tatsächlich ist es voll von Ölgemälden auf Leinwand, sogar großformatigen Ölgemälden auf Leinwand, deren Hauptthemen die Landschaft sind und die Porträts.
 

Mandello. La quiete dei monti Riccardo Pellegrini (1863-1934)	Ritratto di famiglia Artista sconosciuto (epoca: XIX secolo)

Pastell

Das Pastell ist fett. eine Maltechnik, bei der farbige Pigmentstifte verwendet werden. Um eine bessere Haftung des Pigments auf der Platte zu gewährleisten, wird der Leimanteil erhöht auf ein Minimum reduziert, was dazu führt, dass die Farbe besonders rein und brillant ist. Pastell wurde um das 16. Jahrhundert von Jean Perreal erfunden, verbreitete sich jedoch vor allem im 16. Jahrhundert. im 18. Jahrhundert durch die berühmte venezianische Malerin Rosalba Carriera. Die Technik wurde mit der Französischen Revolution nicht mehr verwendet, nur um von den Malern wiedererlangt zu werden Ende 800, insbesondere die Impressionisten.
 

Ritratto di famiglia Artista sconosciuto (epoca: XIX secolo)	Ritratto di nobildonna Artista sconosciuto (epoca: XVIII secolo)

Unter Glasfarbe

Das Gemälde unter Glas ist für eine Technik, bei der das Gemälde direkt auf einer Glasplatte erfolgt. Die großen Künstler haben sich nie an Gemälden unter Glas versucht, sondern blieben eher übrig zu den Kunsthandwerkern oder in die Werkstätten der großen Künstler. Vor der Französischen Revolution, die säkularisierte; Kunst, die überwiegend Gemälde unter Glas darstellen Szenen aus dem Alten und Neuen Testament und hatten eine didaktische Funktion: Die Buntglasfenster der Kirchen wurden tatsächlich „die Bibel für die Armen“ genannt. Analphabet.
 

Cristo crocifisso e la Maddalena Artista sconosciuto (epoca: XVIII secolo)	Maddalena penitente Artista sconosciuto (epoca: XVIII secolo)

Gemischte Medien in der Malerei

Die Mischtechnik, speziell der Malerei, besteht darin, ein Werk mit unterschiedlichen Materialien zu schaffen. Im Beispiel eines Ölgemäldes auf Leinwand könnte man sich die Details wie mit Kohle oder Tempera angefertigt vorstellen.

 

Ritratto femminile Dina Bellotti (1912-2003)	Sorelline Francesco Camarda (1886-1992)

Tempera

Tempera ist die Farbe gebildet aus Pigmenten in Pulverform, gemischt mit Wasser und einem Bindemittel, gebildet aus einer Mischung öliger Teile (sie können unterschiedlich sein, wie z. B. Ei, tierische Leime, Pflanzengummis, Stärke oder verschiedene Arten von Ölen). Was Tempera von Aquarell unterscheidet, ist die die Tatsache, dass letzteres einen viel größeren Ertrag hat. Die Träger für die Tempera können unterschiedlich sein: Papier, Pappe, Holz oder Leinwand usw.
 

Mosè e le figlie di Jetro Artista sconosciuto (epoca: XVIII)	Sinassi di Santi con Maria e Cristo in gloria e Arcangeli. Artista sconosciuto (epoca: XIX secolo)	Storie di Gesù e Maria Artista sconosciuto (epoca: XIX secolo)

Was sind die technischen Spezifikationen in Sculpture-Volume?

Basrelief

Das Basrelief ist eine besondere Bildhauertechnik. Es ist Auf diese Weise hergestellt: Über einer Hintergrundebene, die aus verschiedenen Materialien (darunter beispielsweise Marmor, Stein oder Elfenbein) besteht, ragen die Figuren der Darstellung mit einem leichten Relief hervor. Die Höhe des Reliefs & egrave; entscheidend für die Unterscheidung des Basreliefs von ähnlichen skulpturalen Techniken wie dem Hochrelief.
 

Maria Dolente Giulio Branca (1850-1926)

Welche spezifischen Techniken gibt es beim Drucken?

• • Radierung (Kabelgravur)
• • Gravur
• • Farblitographie
• • Serigrafie
• • Xilografie

Radierung (Kabelgravur)

Die Radierung ist im Originalstil angefertigt. eine Art Gravur, die zum Drucken bestimmt ist. Bei der Ätztechnik wird die Zeichnung in eine Metallplatte eingraviert und dabei eine zuvor angebrachte Wachsschicht entfernt. Anschließend wird die Platte in eine Lösung aus Eisenperchlorid oder Salpetersäure getaucht, die durch Korrosion des ungeschützten Metalls in den eingravierten Rillen die Form des Motivs auf der Oberfläche der Platte hinterlässt. Durch anschließendes Entfernen der Säure und Befreien der Platte vom Wachs wird diese gereinigt. bereit, dieTinte in den Furchen aufzunehmen und auf Papier zu übertragen.

Wir haben in unserem Antiken-Wörterbuch einen ausführlichen Artikel zu dieser Technik geschrieben, den Sie unter hier.
 

Capriccio con figure Filippo Ricci (1727-1780)	Andurni Marchionatus Pars versus Meridiem Artista sconosciuto (epoca: XVII secolo)

Gravur

Die Gravur erfolgt in Handarbeit. die Kunst, Markierungen auf der Matrix eines harten Materials, normalerweise Metall oder Holz, zu erzeugen. Anschließend wird die Matrize mit Tinte gefüllt und mithilfe einer Presse auf ein Blatt gepresst, wodurch Folgendes entsteht: die Kopie für die Presse. Die Gravurtechniken sind in zwei Gruppen unterteilt: die Relieftechniken und die Kabeltechniken.

 

Incisione in cornice coeva dell'800 Luigi Rados de Parme (1773-1840)	Matinèe du dix-huit brumaire (salon de Mme. Bonaparte) Artista sconosciuto (epoca: XIX secolo)

Farblithografie

Die Chromolithographie ist eine spezifische Drucktechnik, die sich aus der Lithographie entwickelt. Wie das Wort selbst schon vermuten lässt, ermöglicht die Chromolithographie jedoch das Drucken von Farbzeichnungen. Bei dieser Technik wird eine Kalksteinmatrix verwendet, in die die Zeichnung mit einem Seifenstift eingraviert wird. Anschließend wird der Stein mit einer Säurelösung behandelt. Die Tinte bleibt an der Tinte haften. dann nur wo ist es? Das Design wurde gezeichnet, während es von der Steinoberfläche abgestoßen wird. Indem Sie das Blatt auf die Matrize legen, erhalten Sie das das gewünschte Design. Es ist Sie müssen für jede Farbe, die Sie Ihrem Druck hinzufügen möchten, eine Matrix verwenden.
 

Paesaggio svizzero Jean-Pierre Thénot (1803-1857)

Siebdruck

Der Siebdruckist derselbe. gilt als die beliebteste Drucktechnik; alt. Beim Siebdruck wird mithilfe eines Stoffes Farbe in einen Metall- oder Holzrahmen (der „Siebdruckrahmen“ oder „Siebdruckrahmen) übertragen.". Zuvor wird der Stoff so behandelt, dass er ein offeneres Gewebe aufweist, das den Durchgang der Tinte ermöglicht und sich daher absetzen lässt, oder ein geschlosseneres Gewebe, das stattdessen den Durchgang blockiert. Dies ist eine in den Vereinigten Staaten weit verbreitete Technik States und Marilyn Monroe von Andy Warloh .
 

Biliardo, 1990 Luca Alinari (1943-2019)

Holzblock

Der Holzschnitt ist eine Reliefgravurtechnik. Bei der Xylographie werden die Teile in einen Holzblock eingraviert und anschließend abgelöst, so dass das zu erstellende Motiv erhalten bleibt. Anschließend wird dieser Block, der die Druckmatrix darstellt, mit einer Walze eingefärbt. Allerdings verbleibt die Markierung nur auf den nicht gravierten Teilen. die Tinte, da sie so ist die Walze wird versagen; um die ausgehöhlten Teile des Holzes zu erreichen.

 

Gruppo di antichi Libretti Figurati Giapponesi Artista sconosciuto (epoca: XX secolo)

Kurze Beschreibung der Epochen und künstlerischen Strömungen

Welche Kunstschulen gibt es?

• • Mittelitalienische Schule
• • Emilianische Schule
• •  Osteuropäische Schule
• •  Flämische Schule
• •  Französische Schule
• •  Genueser Schule
• •  Italienische Schule
• •  Ligurische Schule
• •  Lombardschule
• •  Markenschule
• •  Neapolitanische Schule
• •  Nordeuropäische Schule
• •  Norditalienische Schule
• •  Piemontesische Schule
• •  Toskanische Schule
• •  Venezianische Schule
• •  Mitteleuropäische Schule
• •  Hispanische Schule

Italienische Schule

Die italienischen Malschulen definieren verschiedene künstlerische Strömungen in der Malerei, die sich von ihrer Stadt bis zur Stadt entwickelten und verbreiteten Weihnachten. Der Gesamtkatalog der italienischen Schule umfasst Werke aus der Zeit zwischen dem 17. und 18. Jahrhundert. Insbesondere die Gemälde des 18. Jahrhunderts stellen eine Brücke zwischen der Malerei der Maler des 17. Jahrhunderts und der des 19. Jahrhunderts dar. Darin finden wir 4 Bildthemen: Landschaftsmalerei, Landschaftsmalerei (wo der Blick auf die Stadt dargestellt wird), Genreszenen und religiöse Malerei.
 

Schule in Norditalien

Die Maler des 16. Jahrhunderts, die Künstler des 18. Jahrhunderts und die Die Malerei des 19. Jahrhunderts konzentrierte sich auf Norditalien und wurde von den wichtigsten künstlerischen Bewegungen beeinflusst, die sich in dieser Zeit in Europa entwickelten. Ausgehend vom Manierismus (17. Jahrhundert), dessen Städte; Rom, Florenz und Mantua waren die wichtigsten italienischen Zentren, bis hin zum Barock, der durch die malerische Revolution von Caravaggio. In den Städten; von Turin und Venedig entwickelte es sich zum Rokoko-Stil, mehr in menschlicher Reichweite im Vergleich zum üppigen Barock. Der größte Vertreter der italienischen Romantik ist; stattdessen der venezianische Francesco Hayez.
 

Emilianische Schule

Zwischen dem emilianischen Gemälde kann man nicht; Beziehen Sie sich nicht auf die Schule der bologneser Malerei: ein Komplex von in der Stadt tätigen Malern; von Bologna vom 14. bis zum 20. Jahrhundert. Die Periode der größten Blüte ist; diejenige zwischen dem 16. und 17. Jahrhundert, in der die Maler des 17. Jahrhunderts und die Maler des 18. Jahrhunderts von der Tätigkeit der Maler beeinflusst wurden. der drei Carracci-Verwandten, zwischen Bologna und Rom.
 

Ligurische Schule

Parallel zu den piemontesischen, neapolitanischen und toskanischen Schulen, den sogenannten „Graue Schule”. Die Maler dieser Schule orientierten sich am Studium der Natur, ohne jedoch; eine romantische Bedeutung, aber mit einem progressiven Festhalten am Realismus. Die graue Schule markiert eine Erneuerung der Landschaftsmalerei.
 

Genueser Schule

Die Genueser Schule ist eine der berühmtesten Schulen der Welt. eine der italienischen Malschulen. Es entwickelte sich in Genua im 17. Jahrhundert, in der Mitte der Barockzeit, für die wir vom genuesischen Barock sprechen. Nach dem Aufenthalt von Peter Paul Rubens brach der Barock in die Region ein. flämischer Maler. Zusätzlich zu den Meistern, die mit großen Aufträgen beschäftigt sind, erzielt die Genueser Malerei selbst in den betrachteten Genres bemerkenswerte Ergebnisse Nebenfach, wie Genremalerei und die Darstellung mythologischer Themen.
 

Lombardische Schule

Die Lombardschule oder Schule von Mailand ist eine der wichtigsten Universitäten der Welt. eine der italienischen Schulen der Renaissance-Malerei. Wir sprechen von lombardischer Renaissance und beziehen uns dabei auf die Mitte des 19. Jahrhunderts. des 15. Jahrhunderts, bis hin zum Machtübergang zwischen den Visconti und den Sforza, bei der Ankunft in Mailand vor Bramante und dann Leonardo da Vinci.

Lombardische Malerei ist jedoch nicht dasselbe. frei von den Einflüssen der großen künstlerischen Strömungen des 18. und 19. Jahrhunderts, einschließlich der Romantik, verkörpert durch Francesco Hayez, die Erfahrung von Lombardische Landschaftsmaler und die Scapigliatura.
 

Piemontesische Schule

Mit dem Begriff “Piemontesische Malerei“ Es wird auf die Bildproduktion verwiesen, die sich im 16. Jahrhundert im Piemont entwickelte, hauptsächlich in den Zentren von Vercelli, Cuneo, Turin, Casale Monferrato, Alessandria, Asti, Tortona und Varallo. Wenn man jedoch von der piemontesischen Schule spricht, kommt man nicht umhin; Erwähnen Sie nicht die Schule von Rivara, die ihren Namen von einer Gruppe von Malern hat die achthundert, die gefunden wurden; in der Stadt bleiben. Es ging hauptsächlich darum; von Landschaftsmalern.
 

Venezianische Schule

Die venezianische Schule bzw. venezianische Malerei ist eine der bedeutendsten und bedeutendsten überhaupt alle. die Gesamtheit der Bildströmungen, die sich im Gebiet der Republik Venedig entwickelten. Ab dem 15. Jahrhundert wurde die venezianische Malerei auf internationaler Ebene geschätzt und gefragt, insbesondere an Höfen und Herrschaften, und ihr Einfluss hielt im gesamten Barock des 17. Jahrhunderts an. Die Malerei des 18. Jahrhunderts öffnet die Türen zur venezianischen figurativen Kunst, die Landschaft und der Mensch werden zum Mittelpunkt einer arkadischen Kulisse. Anschließend geht es weiter zu einer eigentümlichen Weiterentwicklung der Landschaftsmalerei, während die Maler des ausgehenden 19. Jahrhunderts die auf Realismus basierenden Themen Farbe und Licht parallel aufgreifen mit den Macchiaioli und den Impressionisten.
 

Mittelitalienische Schule

In der Malerei des 19. Jahrhunderts, die ihren Ursprung in Mittelitalien hat, ist dies der Fall Um die Macchiaioli-Gruppe zu erwähnen, die in der Toskana, genau in Florenz, in der Mitte des 19. Jahrhunderts geboren wurde des Jahrhunderts. Die gewählten Themen beziehen sich auf die Realität der Welt. und des Alltags: Charakteristisch sind daher die Gemälde von Landschaften und Szenen des Alltags.
 

Toskanische Schule

Zusätzlich zur Stadt von Florenz, charakteristisch für die Toskana gibt es; auch die Sieneser Schule, die florierte; zwischen dem dreizehnten und fünfzehnten Jahrhundert. Diese zweite toskanische Schule war erfolgreich; mit der Florentiner Schule konkurrieren und sich dadurch auszeichnen, dass sie mehr ist; konservativ und mehr auf die dekorative Schönheit der letzten Periode der gotischen Kunst konzentriert.
 

Markenschule

Die Kunst der Marken folgt dem gleichen Trend wie die italienische Kunst und wird daher von den wichtigsten künstlerischen Strömungen des 14. bis 20. Jahrhunderts beeinflusst. Die Landschaft ist wunderschön. ein Thema, das diesen Trend gut widerspiegelt, zunächst als manchmal reales und manchmal idealisiertes Szenario, um dann zum Gegenstand von Studien und grafischen Übungen zu werden. Die Landschaft ist dann der absolute Protagonist unter den Malern des 18. Jahrhunderts, wie Francesco Foschi, Landschaftsmaler aus der Region Marken.
 

Neapolitanische Schule

Obwohl die Stadt ihr Zentrum ist, von Neapel beeinflusste die neapolitanische Malerei die Bildkunst in ganz Süditalien. Es umfasst einen Zeitraum vom siebzehnten bis zum ersten Halbjahr. des 20. Jahrhunderts, auch wenn dies aus dieser langen künstlerischen Tradition nicht möglich ist; eine wirklich kontinuierliche Bildform finden. Die Künstler der neapolitanischen Schule wurden von der sienesischen Malerei, der emilianischen Malerei und der Passage von Caravaggio beeinflusst. Im 19. Jahrhundert erlangte die neapolitanische Malerei dank der Akademie der Schönen Künste, die die Künstler ausbildete, eine größere individuelle Aufmerksamkeit. mehrere Künstler, aus denen eine Gruppe bestand; auch die berühmte Schule von Posilippo, deren Hauptfach Landschaftsmalerei war.
 

Flämische Schule

Wenn wir von flämischer Kunst sprechen, beziehen wir uns auf eine Bildschule, die im fünfzehnten Jahrhundert in Flandern entstand, auch wenn der Begriff dürfen verwendet werden, um auf das Gemälde der Niederlande hinzuweisen. Die Hauptmerkmale der flämischen Malerei sind: die Verwendung von Ölfarben, Räumlichkeit und vereint durch Licht, Liebe zum Detail, Porträts mit Dreiviertelposen und eine Vorliebe für Miniaturismus. In der Geschichte der flämischen Malerei sprechen wir im 17. Jahrhundert vom flämischen Barock , an dessen Beitrag sich Pieter Paul Rubens erinnert, der noch heute für seine Stillleben und Landschaftsbilder bemerkenswert ist.
 

Epochen

Italienische Malerei aus dem 19. Jahrhundert

Die italienische Malerei ist auch von der romantischen Strömung beeinflusst, die sich im 19. Jahrhundert in Europa entwickelte und durch Themen der Zivilgeschichte und der Landschaftsmalerei gekennzeichnet war. Die Grundlage der italienischen Romantik ist: Tatsächlich wurde der starke politische und patriotische Drang, der dem Risorgimento vorausging, durch die Historienmalerei vermittelt. Die neue Landschaftsmalerei entwickelt sich ausgehend von der Scuola di Posilippo, die zwischen den 1920er und 1930er Jahren in Neapel entstand. aus dem sich der südliche Verismo entwickelt, begleitet von der Malerei „der Wahrheit“. Der Wunsch, die Realität darzustellen, verkörpert im Realismus, verbreitete sich im ganzen Land und knüpfte unweigerlich an die Zeitgeschichte an.

Im Gefolge der Schule von Barbizon entwickelten sich in Italien die Schule von Scaggia, die von Rivara und Resina, alle beeinflusst von der Verismo-Bewegung und der neuen Theorie des Flecks, die aus den Macchiaioli hervorgegangen war. Zwischen den 1970er und 1980er Jahren erlebte die Verismo-Bewegung eine Krise zugunsten der Modemalerei. Die lombardische Scapigliatura und die neapolitanische Schule stammen aus denselben Jahren. Europäischer Symbolismus, in Italien ist; am besten verkörpert durch Divisionismus, gekennzeichnet durch „uniformierte“ Menschen. und durch in ihre Komplementärtöne zerlegte Farben; während die Art Nouveau-Bewegung im Land unter der Bezeichnung Blumenstil oder Liberty-Stil zum Leben erweckt wird.
 

Italienisches Gemälde der „900“

Das 20. Jahrhundert in Italien war; Gekennzeichnet durch eine künstlerische Bewegung namens Novecento, die 1920 in Mailand geboren wurde. Sie umfasst Künstler verschiedener Schulen, aber vereint durch den Wunsch, nach den künstlerischen Experimenten des frühen 20. Jahrhunderts zur Ordnung zurückzukehren. Wir verweisen dann wieder auf die antichità klassisch, zu Harmonie und Reinheit der Form. Die Lieblingsthemen sind Stillleben, Landschaften und Porträts. 
 

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